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Jogos Vorazes

Narrativas ambientadas em futuros distópicos sempre constituíram temas atraentes tanto para cineastas quanto para cinéfilos. Ter diferentes visões de como nossa sociedade pode parecer futuramente – autodestrutiva, tirana e decadente – nas telonas, é sempre interessante. Para muitos psicólogos e filósofos trata-se de uma espécie de mea-culpa, para outros tantos uma espécie de masoquismo.

Divagações à parte, é necessário bom senso estético para se obter sucesso artístico quando se trata de futuros apocalípticos no cinema. É o caso de Blade Runner, do qual eu falarei mais pra frente. Um filme que introduz uma atmosfera futurística não apenas palatável como digna de nota, na qual parece comum se imaginar vivendo dentro de alguns anos.

Apesar de uma ideia bastante interessante, no entanto, Jogos Vorazes não é tão bem-sucedido em sua visão de futuro distópico – artisticamente falando, que fique bem claro. A não ser que reconheçamos que o filme seja um tributo à estética de filmes B de quatro décadas atrás. E acho que é mesmo. Aí nem se pode dizer que foi uma falha.

Os tons cinzentos, opacos e esmaecidos do Distrito 12, onde vivem os protagonistas, contrastam com toda a atmosfera kitsch da Capital.  A impressão que se quer passar é de uma sociedade notoriamente hedonista e superficial, porém, se exagerou no tom para tornar bem explícito os contrastes. Então há um impasse de nunca ficar claro se é esta mesmo a impressão que quer se extrair do público, ou a direção de arte foi realmente um tanto quanto descuidada e equivocada. Esse, felizmente, é o único excesso. No que concerne aos efeitos especiais, por exemplo,  se não chegam a impressionar ou ter alguma ousadia, pelo menos são competentes e bem executados.

A América do Norte não existe mais. Em seu lugar há uma nação chamada Panem, composta por 12 Distritos e uma Capital. Todo ano, um garoto e uma garota de cada Distrito, com idade entre 12 e 18 anos, são selecionados para competir até à morte nos Jogos Vorazes. Os Jogos funcionam como uma espécie de lembrete que o poder está unica e exclusivamente concentrado na Capital, além de uma forma de punir anualmente o povo que um dia se revoltou contra os poderosos. Os filhos daqueles que um dia organizaram um levante contra a Capital é que pagam por esse erro do passado, participando de um massacre televisionado.

Mais brutal do que o Jogo em si, é a mentalidade não só dos idealizadores, mas dos habitantes da Capital que acompanham com afinco e assiduidade o entretenimento macabro que os jovens tributos protagonizam. Enquanto nos Distritos tudo é visto como sacrifício –  ninguém aplaude quando os nomes são sorteados, por exemplo – a Capital fica em polvorosa com os Jogos Vorazes.

A frieza e calculismo dos idealizadores dos Jogos ficam bem evidentes principalmente na cena em que  a protagonista tenta escapar de uma área em chamas da floresta, quando tratam o desespero da personagem apenas como mais um mecanismo para a condução do entretenimento. Isso também é um grande trunfo do filme sobre o livro, que era narrado em primeira pessoa. No filme, temos um melhor acesso a todos os outros personagens, à manipulação dos tributos na arena e à forma como se conduz o jogo, sem ficarmos presos unicamente à visão de Katniss Everdeen.

O elemento propulsor da movimentação dos personagens no universo de Jogos Vorazes, portanto, é a luta pela sobrevivência. Jogos Vorazes é um Battle Royale mais jovem e menos brutal e sangrento. Mais focado na dinâmica entre os personagens, nos vínculos afetivos e na questão do heroísmo e da justiça, virtudes e valores. O que, de fato, sempre foi a espinha dorsal da narrativa de Collins. A crítica social é sugerida, não totalmente explorada, nem o roteiro gira em torno disso. Esta se torna mais afiada apenas no segundo volume da série.

A direção de Gary Ross é segura. O cineasta conseguiu encontrar saídas e soluções cinematográficas que contornassem o problema de não se poder mostrar tanta violência e sangue em um filme com classificação indicativa relativamente baixa. Há bons cortes, enquadramentos, ângulos e movimentos de câmera que ajudam a passar a ideia de massacre e aniquilação sem precisar se apoiar em violência gráfica extrema. Contudo, para quem leu o livro, é inevitável ficar salivando por um pouco mais de confronto sangrento entre os jovens na arena.

Mas Ross mostra, com efeito, sua eficiência na condução da narrativa, equilibrando bem momentos de tensão e  leveza. Injetando sutil e organicamente algum humor na trama, além de mostrar competência na composição dos quadros. Sua câmera vertiginosa e trepidante é  utilizada de maneira inteligente, como quando Katniss sobe ao palco depois de se voluntariar como tributo, indicando a confusão da protagonista, e no momento em que a heroína é picada por teleguiadas, o que rende uma passagem até psicodélica. O retrato da arena é bem cruel, como era de se imaginar, apesar de pouco sangrento. A supressão do som é um achado em algumas das cenas mais violentas como na seqüência da Cornucópia que abre os Jogos – muito bem executada.

Como adaptação do best-seller de Suzane Collins, o filme é extremamente bem-sucedido. As seqüências que os leitores tanto queriam ver na tela, não decepcionam, algumas são marcantes, densas e cativam a atenção do espectador sem precisar apelar para excessos. E como entretenimento, o filme funciona absurdamente bem, independente do livro, e é capaz de atrair facilmente mesmo quem nunca teve contato com a os livros de Collins. O filme vai em um crescendo dramático que culmina em um clímax que não desaponta. O roteiro é bem amarrado, sem aquela pressa típica de querer mostrar tudo de uma vez em se tratando de um primeiro filme de uma franquia cinematográfica.

Jogos Vorazes tem bom ritmo, seqüências de ação bem coreografadas, boas linhas de diálogo e, claro, conta com um bom desempenho de seu elenco, especialmente da ótima Jennifer Lawrence que defende sua personagem Katniss com veemência, uma heroína trágica, corajosa e carismática. Josh Hutcherson confere o grau de ingenuidade exata ao seu Peeta. Woody Harrelson é outro destaque, não caindo no lugar-comum do bêbado caricato com seu Haymitch. Todos os jovens atores defendem seus papéis com garra. E, ironicamente, o experiente Donald Sutherland aparece no piloto automático como o Presidente Snow.

Já a trilha sonora não peca pelo excesso de dramaticidade. É funcional, contudo, bem pouco memorável.

O primeiro capítulo da franquia cumpre bem seu papel nas telonas e dá uma boa ideia do universo que está tomando de assalto os cinemas, conquistando os cinéfilos e ainda promete fazer muito barulho durante os próximos anos. É uma ótima introdução do universo de Jogos Vorazes para as telonas e mostra que a série ainda tem um grande potencial a ser explorado nos filmes subsequentes.

Um tratamento melhor da trilha sonora e um olhar mais atento à direção de arte tornariam tudo excelente. Mas que venha Em Chamas com essas devidas melhorias.

Felizmente, é um filme com mais virtudes do que deméritos, que merece ser visto por fãs do romance de Suzanne Collins e pelo público em geral em busca de um entretenimento de qualidade, dinâmico e inteligente.

Andrizy Bento

A Invenção de Hugo Cabret

Se Georges Méliès compreendia que cinema era mais do que filmar frivolidades e utilizou seu talento como ilusionista para revolucionar o cinema com o seminal Viagem à Lua, entre outros filmes, sendo posteriormente considerado o precursor do cinema sci-fi e dos efeitos especiais, Martin Scorsese compreende muito bem para que funciona a tecnologia 3D.

Depois da morte de seu pai (Jude Law), um relojoeiro, em um incêndio, Hugo (Asa Butterfield), um garoto de 12 anos, fica aos cuidados de seu tio, constantemente ébrio, com quem aprende o ofício de operar os relógios da estação de trem na Paris do começo dos anos 30. Seu tio, sem se importar com o garoto, some e o deixa sozinho realizando o trabalho de manter os relógios funcionando. Consigo, de sua antiga vida ao lado de seu pai, ele carrega um autômato, a última descoberta do relojoeiro que o encontrou abandonado em um velho museu. O andróide, com uma caneta na mão, parece aguardar para que o liguem e assim ela possa escrever uma importante mensagem. A chave para o mistério se encontra com Isabelle (Chloe Moretz), uma garota com quem logo Hugo faz amizade. A chave, neste caso, não está aqui como força de expressão. A menina realmente tem uma chave com um fecho em forma de coração que se encaixa perfeitamente na fechadura do robô. Finalmente, eles o ligam e a mensagem traçada no papel pelo autômato, os guia a uma grande aventura que simboliza, na verdade, um bonito tributo à sétima arte.

Os cenários de A Invenção de Hugo Cabret impressionam ainda mais por conta do bom proveito que Scorsese faz do 3D – A estação de trem é de deixar o público boquiaberto. De minha parte, mal espero pra saber o que o diretor ainda pode aprontar com esse recurso, já que em Hugo ele soube explorar e trabalhar o 3D como poucos, potencializando essa tecnologia e a utilizando para servir à narrativa, não tendo um roteiro escrito unicamente com a intenção de empregá-la. Os enquadramentos e movimentos de câmera trazem perspectiva e profundidade capazes de fazer com que o espectador se sinta, literalmente, dentro do filme, embarcando na história. São raros os cineastas que tem esse domínio tão pleno da mise en scène (esta, criada por Méliès), dos aspectos temporais e espaciais, da paleta de cores, do jogo de luz e sombras, dos enquadramentos e da movimentação dos atores em cena como é o caso de Scorsese.

Eu também sou do time que acha que Scorsese já foi melhor. Não que hoje ele se dedique a fazer trabalhos apressados e burocráticos para agradar estúdios e não tenha nenhuma paixão pelo que faz. Longe disso. O cineasta continua presenteando o público com trabalhos inspirados e autorais. Mas é fato que ele já trabalhou com personagens mais bem elaborados e complexos. Com Hugo, ele mostra que é um artesão de respeito e digno de aplausos. Mostra que Hollywood continua sendo a terra da magia e o cinema, a grande máquina de criar ilusões. Todavia, carece de um protagonista com mais escopo e substância, não encontrando na figura de seu personagem-título um herói capaz de cativar as platéias como era de se esperar. Isso, Hugo infelizmente não nos oferece. Hugo é um filme 3D que, infelizmente, não conta com um protagonista tridimensional. De qualquer forma, o longa de Scorsese, recordista de indicações ao Oscar de 2012 e vencedor de cinco estatuetas em categorias técnicas, mais do que vale a pena ser visto, por contar com visual exuberante e magníficas – e merecidamente premiadas – direção de arte e fotografia, compondo primorosas seqüências que fazem de Hugo um filme de encher os olhos e que mostra porque o cinema é pura magia, na acepção da palavra. Mas não pense que Hugo se trata apenas de estética, pois o enredo não deixa de ser atraente, encantador, ainda que um tanto didático. Em suma, uma bela ilusão orquestrada por Scorsese, capaz de deixar os amantes de cinema com um brilho nos olhos.

Afinal, o que é o cinema senão ilusório? Uma arte fabulosa que conta com um amplo leque de trucagens e possibilidades tecnológicas que nos faz viver um sonho em salas de projeção. É isso que Hugo Cabret deixa bem evidente em sua bela, justa e grandiosa homenagem ao cinema.

Andrizy Bento

American Horror Story

Terminei há poucas semanas de ver a primeira temporada de American Horror Story e ainda estou tentando entender todo o alarde, o sucesso, a repercussão em torno dessa série e a comoção que ela gerou. Apresentando uma fórmula mais do que saturada e se apoiando em diversos clichês narrativos e visuais, a série não passa de uma releitura sem qualquer inovação de filmes de terror trash dos anos 80. Com um enredo batido, tendo como problemática um drama familiar super comum e personagens estereotipados, os roteiristas deixam passar algumas boas sacadas e investem em saídas ora fáceis, ora forçadas e artificiais, jogando pela janela a oportunidade de construir uma interessante mitologia das criaturas que assombram a casa.

Pra completar, boa parte da primeira temporada é constituída de fillers, episódios totalmente desnecessários ao conjunto e que não fariam diferença no todo, salvo algumas seqüências. Para os fãs do gênero, o gore é decepcionante. E para quem curte um bom susto, American Horror Story está longe de oferecê-lo.

Alguns episódios chegam próximos de serem considerados interessantes e a série apresenta alguns quotes geniais. Contudo não é o suficiente para cativar a atenção de um público que espera mais do que conflitos adolescentes e dramas inerentes a divórcios e traições, tendo como plano de fundo uma residência macabra.

Os produtores perdem uma boa chance de reinventar o gênero e desenvolver melhor a ideia já quase esgotada da casa mal-assombrada, ingressando numa brincadeira assustadora que poderia funcionar com personagens mais atraentes e um enredo mais consistente e bem elaborado. Uma pena que não é o caso.

Andrizy Bento

O Artista

O Artista diz muito, mesmo sem dizer quase nenhuma palavra. É repleto de matizes e tons, mesmo sem nenhuma cor. O filme celebra o cinema mudo e em preto e branco, prestando um tributo, com sua estética nostálgica, aos tempos em que os atores, devido à ausência de falas, se apoiavam unicamente nas expressões, no gestual, nos trejeitos, na comédia física, um tanto quanto caricatural, mas sem perder a graciosidade.

Por transmitir aquela magia dos velhos tempos do cinema, resgatando os primórdios da sétima arte, O Artista nos dá aquela doce impressão de que o cinema mudo nunca deveria ter sido totalmente desprezado. Se valendo por vezes de recursos metalinguísticos, desafia o status quo do cinema moderno e faz de conta que os diálogos e palavras são superestimados, afinal, no cinema, a imagem é o essencial. É nada mais do que a arte de contar uma boa história sem que os personagens precisem abrir a boca, através apenas de cenas inspiradas como é o caso do pesadelo do protagonista com o grande vilão do filme: o cinema falado. O espectador já percebe de antemão que se trata de um sonho, mas isso não tira nem um pouco do barato da seqüência que não só é uma das melhores do longa, como das mais brilhantes dos últimos tempos.

Michel Hazanavicius, aqui, parece compreender exatamente como seu estilo pode ser funcional, e o trabalha de modo criativo e inteligente. O Artista pode contar com um enredo simples e possuir um caráter genuíno, mas não é necessariamente ingênuo. A embalagem parece modesta, mas o conteúdo é até delicado. Há leveza no ritmo e na interpretação deliciosa de seu elenco. É um filme redondinho e minimalista, sem ser óbvio ou burocrático. Não é apenas mais um filme prescindível e nem por utilizar recursos do cinema antigo, significa que ele é antiquado e retrógrado. Muito longe disso. Retrógrado era o vencedor do Oscar do ano passado, O Discurso do Rei. Este, O Artista, é um filme mudo e preto e branco como não se fazia antigamente. Um filme simples e belo como quase não se faz mais atualmente.

Andrizy Bento

Tinker Tailor Soldier Spy

Recentemente aposentado de seus serviços na Circus, a divisão de elite do serviço secreto britânico, o veterano espião George Smiley (Gary Oldman) é convocado a voltar à ativa quando toma conhecimento de um agente duplo infiltrado que vem trabalhando há anos para os soviéticos. Cabe, portanto, a Smiley investigar o caso e descobrir qual dos membros da Circus é o traidor.

Dizer que Tinker Tailor Soldier Spy (que, no Brasil, recebeu o insosso título de O Espião que Sabia Demais, que pode ser facilmente confundido com o título de um filme de Hitchcock) é um complicado e esquemático quebra-cabeça ou uma partida de xadrez bem arquitetada, é florear uma narrativa que não careceu de floreios para ser contada nas telonas. Ou que se trata de um filme sobre moral ou traição é minimizar o real significado da obra, tornar simplista um grande filme cujo um dos principais méritos é não render-se aos chavões narrativos de outras obras do gênero.

Tomas Alfredson é detalhista, dirige com mão segura e conduz uma narrativa eficiente e coesa, elaborando com minúcia os elementos de sua trama que prima pelos acertados enquadramentos e movimentos de câmera. Aliás, Alfredson tem um jeito único e inteligente de filmar e contar uma história, com cenas tão representativas que mesmo momentos triviais protagonizados pelos personagens configuram componentes essenciais ao contexto do longa. O que está na tela pode e deve ser interpretado como fundamental no desenrolar da história.

A fotografia, muito bem trabalhada, ajuda a compor com primazia o melancólico e dramático clima de Guerra Fria que é de vital importância para o sucesso artístico do longa. O cineasta utiliza bem o conceito de espaço-tempo em uma obra não-linear, cheia de idas e vindas. Como em um jogo de espionagem, os telespectadores desempenham o papel de observadores, coletando pistas e caminhando lado a lado com o protagonista na busca da resolução do intrincado enigma.

Todos do elenco defendem seus personagens com excelência. O filme é de Gary Oldman, obviamente, que com seu constante semblante melancólico (que contrasta com o nome de seu personagem, vejam só!), não está apenas competente, mas brilhante, em uma das performances mais memoráveis de sua carreira. Seu George Smiley é um velho, exausto e solitário espião aposentado, mas persistente, astuto e talentoso. Collin Firth – vencedor do Oscar de 2011 na categoria Melhor Ator por O Discurso do Rei – também aparece em ótimo momento; e Benedict Cumberbatch, o jovem intérprete de Sherlock, seriado da BBC, impressiona com sua atuação segura.

A trama intrincada não impacta por um excesso de violência gráfica, aliás, é pouca violência que vemos na tela, mas quando esta é mostrada é em caráter duro e realista e nunca de maneira gratuita. O longa de Alfredson impacta, na verdade, pelo enredo magistral, pelo roteiro inteligente, pela forma madura com que o cineasta filma e adapta o romance de John le Carré para as telas.

E, mais uma vez, o diretor de Deixa Ela Entrar mostra porque merece ser considerado um dos grandes nomes do cinema atual.

Andrizy Bento

[Dicas] O Contador de Histórias

Bem vindos ao ano do fim do mundo! 🙂

Pra começar, temos novidades: Esse ano, contaremos com uma nova colaboradora: Bianca Lumière. Assim que der, ela aporta por aqui com seu post de estréia 😉

No mais, logo tem novo post do Eduardo Molinar por aqui.

Para começar, dica de um bom filme nacional:

A Fábula do Real

Pelos idos dos anos 70 a propaganda que a televisão exibia da instituição Febem, é que esta formaria jovens de bem, éticos e morais, que só sairiam de lá médicos, engenheiros, advogados. Roberto Carlos Ramos, então com seis anos, se sentiu, portanto, premiado quando sua mãe o escolheu dentre os dez filhos para ser interno na Febem. Mas a realidade com a qual ele se deparou ao chegar à instituição era bem diferente daquela que a sua imaginação havia contornado.

O Contador de Histórias (Luiz Villaça, 2009) conta a história real de Roberto Carlos Ramos, nascido em Minas Gerais, ex-interno da Febem, hoje pedagogo e professor e, segundo o filme, um dos dez maiores contadores de histórias do mundo. Ele permaneceu na instituição dos seis aos treze anos e, depois de mais de cem tentativas de fuga, roubo e envolvimento com drogas, ele foi considerado irrecuperável, até encontrar a pedagoga francesa Marguerite Duvas que se aproxima dele lhe apresentando palavras como “por favor” e um gravador, para que ele pudesse lhe contar sua história. No começo, ela é tratada com hostilidade pelo garoto, porém, com o passar do tempo, ele começa a ver em Marguerite a figura de mãe que lhe faltava.

O filme conta com uma bela direção de arte. Interessante a forma que o diretor do longa encontrou de contar a história nas telas, se apropriando da maneira como o Roberto Carlos Ramos da vida real conta suas histórias, dando a essa um aspecto lúdico, um caráter pueril. E é nessa maneira de projetar a biografia de Ramos em tom de fábula que reside seu encanto.

O Contador de Histórias, portanto, anda na contramão de tudo que já foi apresentado no cinema nacional, em termos de desigualdade social e exploração infantil. O filme não apela para demagogia ou cenas de violência gráfica impactantes, como é comum em algumas produções que tratam de temas densos, como esses, no Brasil.

Contudo, a narração do próprio Ramos é um dos fatores que prejudica o filme. Ela acaba por cair no lugar-comum. Tudo o que é dito pelo narrador, já estamos vendo na tela, o que torna este um elemento desnecessário e redundante, fazendo também com que a narrativa acabe por empalidecer em determinados momentos. O filme também não se livra de alguns clichês sentimentais aqui e ali, por mais genuína e autêntica que a emoção se apresente em algumas passagens cruciais.

O filme de Villaça não veio para mudar o panorama do cinema nacional atual. O Contador de Histórias nada mais é do que um filme simpático e despretensioso, que tem o mérito de fugir dos padrões ditados por outras cinebiografias nacionais

Postado originalmente em: http://cineacademia.blogspot.com/2009/09/fabula-do-real.html

Fonte da imagem: http://www.meucinemabrasileiro.com/

Andrizy Bento